Podcast CulturaUNAM 

Allegro con batuta 

Temporada 3 

Capítulo 3: La pintura en la música 

Anfitrión: Iván López Reynoso 

Rúbrica: Una partitura no es una pieza de museo, no es un monumento inalterable, no es un recuerdo estancado. Una partitura se toca, se platica, se arruga, se escucha. Allegro con batuta. Un podcast de perspectivas y análisis sobre el panorama musical y artístico. Con Iván López Reynoso. CulturaUNAM. 

[Habla Iván]: Amigas y amigos, es un gran placer saludarlos de nuevo. Yo soy Iván López Reynoso y les doy la más cordial bienvenida a un episodio más de su podcast Allegro con batuta. 

Como es ya normal en este podcast, y como he tratado de compartir con ustedes desde el inicio de estos capítulos, en esta emisión, trataremos de hacer dialogar de nuevo a las artes entre sí, cómo se conectan, cómo se inspiran y cómo la historia del arte, y la historia de la humanidad, han estado siempre completamente ligadas y de la mano.  

Hoy les contaré sobre cómo han dialogado a lo largo de los años, particularmente verán ustedes en el siglo XX, dos corrientes artísticas especialmente importantes, la música y la pintura y, específicamente, cómo la pintura ha inspirado a la música.  

A lo largo de ocho obras de las cuáles les hablaré un poco en este episodio, verán cómo están tan conectadas estas dos expresiones artísticas y, cómo, la pintura ha servido de inspiración para numerosas y contrastantes partituras musicales. 

Este episodio es especial también para nuestras amigas, nuestros amigos que son fans de la música, pero también fans de la pintura, pues las artes son siempre un eterno diálogo constante hacia los sentimientos y las emociones.  

La primera partitura, que quiero compartir con ustedes que tiene inspiraciones en la pintura, es la obra Matías el pintor de Paul Hindemith. Algunas de las obras de las cuáles les hablaré, no son necesariamente muy conocidas, pero no por ello son menos interesantes. Esta ópera es una obra estrenada en 1938, Paul Hindemith es un compositor alemán clave en el siglo XX y, en esta partitura, Hindemith plasma su interés por la Reforma Protestante, especialmente toma como protagonista a Matthias Grünewald, este personaje histórico del Renacimiento y que sirvió también como inspiración para muchos otros artistas. Las obras de Grünewald fueron consideradas muy innovadoras y poderosas, así como también la propia obra de Hindemith, fue considerada innovadora y poderosa. Incluso se dice que la lucha de Matthias Grünewald, por poder expresarse artísticamente en el clima de represión tan oscuro de su época, es un espejo a la vida propia de Paul Hindemith. Él inició la composición de esta obra cuando el nazismo llegó al poder.  

Existe una versión sinfónica que es la cotidianamente interpretada, que es la sinfonía Matías el pintor, pues esta ópera no es interpretada con regularidad en los teatros del mundo.  

Otra partitura es el Tríptico botticelliano de Ottorino Respighi. Ottorino Respighi es un compositor especial, amigas y amigos, italiano, igualmente clave en el siglo XX, pues Respighi se estaba intentando apartar de estas corrientes neorrománticas o postrománticas especialmente de una corriente llamada Verismo, muy representada en la historia de la ópera, especialmente en compositores como Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, y el más famoso de ellos, Giacomo Puccini. 

Respighi llega a un momento de su vida, en el que intenta junto con otros compositores italianos como [Alfredo] Casella, separarse de esta corriente, y en esta obra se inspira en tres pinturas del también famoso artista italiano del siglo XV, Sandro Botticelli.  

Las tres pinturas son: La primavera, La adoración de los magos, y El nacimiento de Venus. Esta última, probablemente la más famosa de las tres, las tres se encuentran en la “Galería Uffizi”. Es una obra para orquesta de cámara, una orquesta pequeña, pero no por ello es una orquesta que no tiene colorido, al contrario, es una obra muy visual, llena de colores, y llena de plasticidad. 

La tercera obra es igualmente muy poderosa, muy contrastante con la anterior y es La isla de los muertos, de Serguéi Rajmáninov, compositor clave también, ruso. Esta obra sinfónica, poema sinfónico está inspirado en una reproducción blanco y negro de la pintura homónima de Arnold Böcklin, este pintor simbolista suizo del siglo XIX y que curiosamente esta misma pintura inspiró a otras obras de otros autores menos conocidos o con menos impacto que La isla de los muertos de Rajmáninov.  

La isla de los muertos es considerado uno de los poemas sinfónicos clave, estelares de la literatura compositiva de Rajmáninov. Los otros autores que se inspiraron en esta obra son Max Reger, Andreas Hallén, o el propio contemporáneo italiano también, Fulvio Caldini. Ninguna de estas obras ha tenido el impacto que tiene el poema sinfónico La isla de los muertos de Serguéi Rajmáninov, que es una obra poderosísima que inicia con un movimiento un poco lento, poco pesado, que se va desarrollando poco a poco, y creciendo gradualmente en orquestación y en matiz. 

La cuarta obra, amigas y amigos es probablemente muy especial para mí, pues he tenido el privilegio, el placer de dirigirla, y es la ópera The rake's progress o La carrera de un libertino de Ígor Stravinski. 

Tuve el privilegio de dirigir esta obra en el Festival Cervantino de 2022, con ópera de Bellas Artes y es de verdad una ópera fundamental en la etapa neoclásica de este compositor ruso, Ígor Stravinski. Que pasó por varias etapas compositivas en su vida, fue muy innovador, después fue un poco conservador o buscando un poco las texturas clásicas como el propio The rake's progress o como Pulcinella y posteriormente al final de su vida fue más hacia el serialismo, al dodecafonismo.  

Esta obra esta inspirada en varias pinturas del artista británico del siglo XVIII, William Hogarth, y narra el proceso o la vida de un libertino, de un hombre de pueblo que busca darse la gran vida en Londres, y es una historia llena de, como el título lo indica, libertinajes, placeres, vicios, que llevan a este personaje a su destrucción y posteriormente a la locura. Él pierde el juicio y la ópera termina con una escena en un manicomio. Es una ópera poderosísima, es una ópera magnífica con varias de las páginas más inspiradas y más brillantes que pudo haber compuesto Ígor Stravinski, se las recomiendo profundamente, es música muy ligera, muy digerible, muy asequible y de gran disfrute.  

Las siguientes dos obras, amigas y amigos son probablemente menos famosas, menos conocidas, pero igualmente reflejan este profundo vínculo entre la pintura y la música, y cómo la pintura ha inspirado a la música.  

Una de estas obras es Los frescos de Piero della Francesca, del compositor checo Bohuslav Martinů, no es un compositor muy conocido, pero sí es un compositor crucial, y esta es una obra orquestal de profunda belleza, compuesta e inspirada en Los frescos.  

La historia de la verdadera cruz, del artista italiano Piero della Francesca, les recomiendo mucho escucharla, así como también una rareza, esta es probablemente la obra menos conocida de este ciclo de ocho horas de las cuales les hablaré el día de hoy, y es la ópera Vincent, del compositor finlandés,  Einojuhani Rautavaara.  

Es un compositor finlandés y esta ópera narra la vida de Vincent Van Gogh. Es una ópera compuesta en 1990, una ópera serialista y tonal, a la vez, que posteriormente Rautavaara utilizó materiales de esta ópera para convertirla en su sinfonía número seis, con título La Vincentiana, y cuyo tema central es precisamente La noche estrellada, esta famosísima, hermosísima pintura de Van Gogh, que inspiró al compositor irlandés Rautavaara para escribir ésta ópera y posteriormente convertirlo en su sexta sinfonía, es música interesante, les recomiendo de verdad que la escuchen. 

Y las últimas dos obras son probablemente los perfectos ejemplos, una de ellas es una teoría, no esta confirmada la inspiración, pero la otra sí. La teoría es que La mer o El mar de Claude Debussy, compositor francés crucial para la historia de la música, compositor del famoso periodo conocido como el impresionismo francés, esta magnífica partitura sinfónica, que es su obra orquestal más importante para muchos, se dice que parte de su inspiración provino de una famosa estampa japonesa, llamada La gran ola de Kanagawa, del pintor Hokusai japonés, publicada entre 1830 y 1833. Esta obra sinfónica esta escrita en tres movimientos, es una obra muy visual, es una obra muy narrativa con un claro discurso sonoro que viaja a través de las imágenes para crear sonidos, es muy poderosa partitura, es una de las obras cruciales del sinfonismo de inicios del siglo XX, y es una de las obras más famosas de Claude Debussy. Esta teoría no está completamente confirmada, sin embargo, esta estampa sí sirvió para la publicación de la partitura como portada. 

El último ejemplo es definitivamente el más conocido y es una obra también emblemática, son Los cuadros de una exposición, desde luego de Modest Músorgski, compositor ruso. Esta es una de sus obras más importantes, fue escrita para piano solo, y es un recorrido a través de una exposición de obras de pinturas de Viktor Hartmann, pintor y arquitecto ruso, que era muy buen amigo de Modest Músorgski, y cuya muerte fue un gran shock para Músorgski, y por ende escribió esta obra, un poco como homenaje, un poco como recuerdo, y que posteriormente ha sido llevada a distintas orquestaciones, siendo la más famosa de ellas, la de Maurice Ravel, compositor francés, también del impresionismo que compuso también una orquestación de esta obra para piano solo, y la orquestación de Ravel es la más interpretada en la actualidad, es una obra sinfónica absolutamente maravillosa. 

Como ven, amigas y amigos, la pintura ha dialogado e inspirado a la música, así como la música ha también inspirado muchas otras artes, esto es la magia de la expresión artística, como dialoga entre sí, cómo convive, como se complementa y como hace que al final todo sea sobre la emotividad, sobre los sentimientos, sobre la sensibilidad y sobre la expresión. 

Amigas y amigos, en este episodio tuve el gran placer de platicar de nuevo con ustedes, yo soy Iván López Reynoso, y este es su podcast Allegro con batuta, hasta la próxima. 

Rúbrica: Una partitura no es una pieza de museo, no es un monumento inalterable, no es un recuerdo estancado. Una partitura se toca, se platica, se arruga, se escucha. Allegro con batuta. Un podcast de perspectivas y análisis sobre el panorama musical y artístico. Con Iván López Reynoso. CulturaUNAM. 

[Fin]